horizontes fracturados

Horizontes fracturados

"Superficie de las aguas,

de los rayos refulgentes

del Sol se forma.

Y en trono

de cristales aparece…"

Sor Juana Inés de la Cruz, Cuarta loa a los años de rey.

En esta ocasión, el programa expositivo que ha venido realizando Berta Kolteniuk en la Celda Contemporánea, se concreta en un tributo a sor Juana Inés de la Cruz –desde la realización, en el modo del sitio específico, de tres artistas mujeres-. Las piezas producidas para este montaje pertenecen, en general, al medio de la instalación, aunque cada una de las autoras ha construido un tipo de presentación espacial de diferente planteamiento estético. Del vasto contexto de los referentes que constituye la figura y la obra de sor Juana, las tres creadoras han aludido, en sus respectivas aproximaciones, al poder que manifiesta el discurso versual en la obra de la poeta y a la zona crítica de la biografía: el distanciamiento de aquella mujer radiante respecto al reino del saber. 

Magali Ávila presenta una estructura modular, a medio camino entre un elemento métrico y una configuración aleatoria, con superficie de efecto metálico. Al tiempo, ha editado un contenido visual combinatorio (con material de autorretratos e imágenes de la efigie de sor Juana, procesados gráficamente y traslapados entre sí) que se ve proyectado de forma provocativa sobre la estructura. La obra trae a cuento la intuición de la experiencia de la totalidad, y la lucidez mórbida que hereda la lectura del soneto CXLV, pero también la dosis de ambivalencia hipnótica del conceptismo barroco, colmado de antinomias que se resuelven y contrastan al infinito. 

Lorena Camarena plantea su propuesta, en términos de umbral, en el tránsito entre dos espacios museales de la Celda que han sido concebidos en distintas gravedades objetuales. La artista propicia una posibilidad para meditar perceptualmente sobre la dimensión espiritual del entorno cotidiano del encierro religioso; y, en paralelo, sobre la asociación inmemorial entre espacio doméstico cerrado y el asunto de la opresión/ emancipación femenina; para ello, recurre al audiovisual (con una pieza para voz y piano del mítico Michael Nyman, compuesta –específicamente- para esta instalación/ ambientación), a la edición en video de una representación corporal algo narrativa, algo simbólica, y al diseño de un espacio sutil que transcurre del blanco al negro y viceversa. 

Finalmente, la sección de Aurora Noreña, artista involucrada en una exploración de los registros esculturales postvanguardistas y de la noción de horizonte, está armada como una obra que detona cierta participación, sosteniendo la oportunidad de contemplarla como despliegue matérico con sentido: el espectador se reconoce en un espejo donde lee una palabras, y toma un documento para elaborar un poema visual en papiroflexia. El resto de la experiencia, en realidad, el detonador, consiste en una escultura monumental exenta y concreta que dialoga, por su forma, con el imaginario de la poeta y con una sección del programa ornamental del sitio, que está colmado de reminiscencias florales .

Erik Castillo
Octubre, 2013

Aurora Noreña, Ciudad de México, 1962. Estudió la licenciatura en Arquitectura en la UAM-Azcapotzalco y la maestría en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM. Conjuga su producción con el periodismo cultural y la docencia habiendo impartido clases en la Universidad Autónoma Metropolitana-Xochimilco, La Fundación Jumex, La Universidad del Claustro de Sor Juana y la Escuela de pintura, escultura y grabado, La Esmeralda, INBA. Ha expuesto de manera individual en la Ciudad de México y en diversas ciudades del interior de la república, la más reciente titulada De horizontes, en la Galería Homero 45, Guadalajara, Jalisco. Tiene en su haber un sinfin de exposiciones colectivas dentro y fuera del país de entre las que se destacan: Archipiélago, 14 microhistorias en el arte contemporáneo, Galería Arte Hoy, México, D.F., 2013; 20 años del FONCA, Biblioteca Vasconcelos, 2009, México, D.F.; Mujeres: sin cuenta, Mexican Cultural Institute, San Antonio, Texas, 2008, Hermandades Escultóricas México – Alemania, Fundación Macay, Mérida, Yucatán, 2008; Bienal de Arte de Fukushima, Japón, 2007; IV Bienal Internacional de Estandartes, Tijuana, Baja California Norte, 2006 y Arte-urbe, 34vo Festival Internacional Cervantino, Guanajuato, 2006. A lo largo de su trayectoria ha sido merecedora de diversos reconocimientos, como: Premio de Adquisición del XI Encuentro Nacional de arte joven, 1991; Beca Jóvenes Creadores en Escultura, FONCA, 1996-1997; Residencia artística ART/OMI, Ghent, Nueva York, EU, 1998; Beca Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales FONCA, por el proyecto Corrientes invisibles, 1999; Mención honorífica en escultura en el Salón de octubre, Gran Premio Omnilife, Guadalajara 2001. De entre sus proyectos de obra pública destacan: Corrientes invisibles, Metro Copilco, México, D.F., 1999; Pulsaciones, Instituto de Investigaciones Biomédicas, Ciudad Universitaria, México, D.F. 2008; y Firmamentos, Instituto de Ingeniería, UNAM, CU, México, D. F. 2010. Del 2010 a la fecha desarrolla un proyecto multimedia en torno al tema del horizonte y sus construcciones personales y culturales.

Magali Ávila Ciudad de México, 1970. Estudio Artes Visuales en Incarnate Word College, San Antonio, TX, Estados Unidos, 1986. Radicó en España del 2007 al 2011, donde se desarrolló como artista y cursó diversos talleres como Imagen y sonido en La Casa Encendida, Madrid, 2007; Diseño, 3D Isiconsulting, Puerto de Sagunto, España, 2010. Su trabajo, es el resultado de un proceso de investigaciones continuas de nuevas técnicas y materiales. Ha expuesto de manera individual en México, Estados Unidos, España, Suiza y Alemania, de las cuales destacan: From the three, Swaeff Art Consulting, Mallorca Puntiró, España 2009; Blood & Bees, La Esquina, Palma de Mallorca, España, 2008; Mirrors, Centro Cultural el Aire, México, DF, 2007; Del árbol, Rios Art, Nurnberg, Alemania, 2008; Del árbol de la vida, Galería Espacio, Morges, Suiza 2006. Colección otoño invierno, Hacienda San Gabriel de las Palmas, Morelos, 2001; Pinturas, Galería Ramón Alva de la Canal, Universidad Veracruzana de Xalapa, 1996, Atmósferas cautivas, Instituto Veracruzano de Cultura, Puerto de Veracruz, México. De manera colectiva, ha expuesto en múltiples ocasiones, entre las más recientes: Maletas migrantes, Museo de la Memoria y la Tolerancia, 2012, México, DF; Colectivo sin nombre, Museo Veracruzano de Cultura, México, DF, 2013; Mexican & Spanish Artist Collide, Sculptures by desing Art Studio, Houston Texas, 2011; Juego de Formas, cinco artistas con presencia en Suiza, Museo de Arte Contemporáneo de Puebla, México, 2007; Guadalupe en la cultura popular, Museo de Arte Moderno, México, 2005. Ha recibido diversos reconocimientos como, Beca de Jóvenes Creadores FONCA, por el Estado de Veracruz, 1996; Selección para la Bienal Fundación Arangaguey, Santiago de Compostela, España 2007; seleccionada para International Contemporary Art Prize, 2010, Barcelona, España. Actualmente, es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte, FONCA, emisión 2011.

Lorena Camarena, Ciudad de México en 1974. Pasó su infancia y adolescencia entre Estados Unidos, Uruguay y México. En 1992 regresó a México e ingresó al Instituto Tecnológico de Estudios Superiores de Occidente (ITESO) en Guadalajara, Jalisco, donde estudió dos años Psicología. En 1994 inició sus estudios formales de dibujo con el escultor tapatío Ignacio Garibay. De 1996 a 2000 estudió la Licenciatura en Artes Visuales, especialidad en Pintura, en la Universidad de Guadalajara, Jal. En 2001 se trasladó la Ciudad de México, donde actualmente radica y trabaja. Su obra ha sido destacada en numerosas ocasiones. En 1997 en del Salón de Octubre, Guadalajara, Jalisco, en 2003 en el XXIII Encuentro Nacional de Arte Joven, Aguascalientes, en 2008 participó en el Grabado del Bicentenario sobre Paseo de la Reforma, D.F. En dos ocasiones (2007 y 2010) participó en la exposición Mexique, Peinture Contemporaine, en el Instituto Cultural México á Paris, Paris, Francia, recibiendo una Mención honorífica.  Ese mismo año, dos obras de su autoría fueron seleccionadas para la II Bienal Gómez Palacio, Durango, Durango.En 2011 participó en la III Bienal Villa Gómez Chávez, en la ciudad de Colima, Colima, México. Cuenta con 14 exposiciones individuales y 29 exposiciones colectivas, en los estados de Jalisco, Colima, San Luis Potosí, Oaxaca, Durango, Aguascalientes y el D.F.; en el extranjero ha expuesto en Canadá, Francia y E.U.A. En 2011 presentó la exhibición Silencio habitado en la Galería Luis Cardoza y Aragón del Centro Cultural Bella época de la Ciudad de México. Ese mismo año fue invitada por el artista Luis Manuel Serrano a exhibir en el Centro Femenil de Readaptación Social Santa Martha Acatitla, donde convivió con las reclusas. En 2012 presentó Remedio Casero en el Café La Gloria, DF.

https://www.youtube.com/watch?v=gffGS7eI7cw

trayectos líquidos

Trayectos líquidos

El espacio que alberga la Celda Contemporánea, como vestigio arqueológico, determina a los artistas a interactuar con su arquitectura y preestablece un diálogo con ella. Actualmente, los artistas contemporáneos suelen buscar conexiones concretas con los sitios específicos donde realizarán sus obras, investigan e indagan los espacios para encontrar vínculos espacio-temporales y desarrollar sus propuestas. Cabe mencionar que originalmente el sitio en donde ahora se encuentra la Celda, resguarda vestigios de lo que fueran los baños, cocinas y patios que utilizaban las monjas del exconvento de San Jerónimo, construido en el siglo XVII. Trayectos líquidos, es una exploración en torno a uno de los elementos de uso originarios de la celda, -el agua-. El agua como común denominador de esta exposición, refleja tanto las preocupaciones actuales de abastecimiento, así como las repercusiones climatológicas en el medio ambiente, al mismo tiempo que nos hace reflexionar visual y poéticamente sobre su simbología ancestral a lo largo de la historia. El agua, como elemento vital de nuestra existencia en todos sus estados y manifestaciones, nos revela desde los reflejos abismales de su superficie, pasando por su fragmentación, condensación y precipitación, hasta llegar a su fruto sobre la tierra.

La instalación de Mario Palacios surge del encuentro fortuito entre el ojo avispado de un artista y la manifestación de la naturaleza en todo su esplendor, cuando por azares del destino descubre las formas y reflejos que la lluvia dejaba en el patio de su taller, sobre unos tapetes de neopreno que había arrojado. Y mira y observa, espejos de nubes, formas informes, restos, residuos, Narciso reflejado, abismos inundados. Y la visión se apodera de él, y él la retoma y nos la ofrece para nuestra propia contemplación y asombro. El agua reposa sobre la tierra en espera de continuar su ciclo, piensa en mares, lagunas y charcos, que siendo todos distintos en forma o tamaño, contienen el mismo líquido, fluido que transita y se transforma en diferentes estados sin inmutar su esencia.

Jeannette Betancourt, nos ofrece aguaceros, reverberaciones, tormentas, ecos en movimiento y corrientes incesantes en sus obras. Palabras fuertes tratadas con mano suave pero precisa, utilizando largas telas de organza semitransparente, nos presenta dos instalaciones flotantes, ligeras como la brisa, pero potentes en cuanto a su capacidad crítica de nuestro tiempo. Preocupada por el cambio climático y el poder destructor del agua, así como en “Radiografía del poder”, nos hace reflexionar sobre las contingencias que plantea la situación del agua en el planeta. Originaria de la isla de Puerto Rico, con clima tropical y acostumbrada a grandes y constantes precipitaciones pluviales, Jeannette toma y retoma el tema, para tratarlo desde diversos ángulos, como en la proyección del video que se presenta en la planta alta de la Celda, y que ella misma registró durante un viaje en barco por el mar Egéo en medio de una tormenta, “mientras tomaba las imágenes, comprendí cómo la fuerza y el temor al mar, inspiraron la creación de tantos relatos, mitos y dioses en su honor, a lo largo de la historia”.

Ácatl, de María José de la Macorra, es un salto al pasado por la cámara del  tiempo de la Celda, que nos transporta a un tiempo anterior a la edificación del convento, cuando en este sitio, no había más que tulares y carrizales encontrados a la orilla suroeste del islote de Tenochtitlán. Aquí, la referencia con el agua viene desde su origen prehispánico, donde el método común de cultivo eran las chinampas y donde entre otras cosas crecían las plantas de tule, “fruto” y producto del agua. El tule es una planta originaria de México y actualmente se encuentra en peligro de extinción. María José de la Macorra, nos presenta, en su intervención múltiple, físicamente con los carrizos de tule, aquellos que aún se pueden encontrar, en agrupaciones de “atados” de distintas dimensiones y colores. Con ellos, atraviesa virtualmente el tiempo y el espacio de la Celda, llenando sus huecos y recovecos, haciendo que aparezcan emergiendo o sumergiéndose como testigos del tiempo. Los carrizos nos evocan simbólicamente aquel otro momento, tratan de ser vectores simbólicos del tiempo, aquel en el que se contaba con atados de carrizos como podemos observarlo en la pictografía mexica. Algunos los presenta en su estado y color natural, que simbolizan la tierra y la piel humana, blancos (encalados), que simbolizan el día y el cielo, y negros (enchapopotados), que simbolizan la noche y el inframundo, como presencias ancestrales en nuestro tiempo contemporáneo.

Berta Kolteniuk

Agosto, 2013

Mario Palacios Kaim, Ciudad de México, 1953. Autodidacta. Sus obras se encuentran en colecciones de México, Francia, Inglaterra, Japón, Egipto y Estados Unidos. Las estrategias formales de su trabajo visual van desde el dibujo, la pintura, la instalación y el libro objeto entre otras. La variedad de técnicas y materiales que utiliza lo han llevado a investigar por diversos medios y talleres. Fue representante de México en Egipto en 2003 para la celebración del Primer aniversario de la Nueva Biblioteca de Alejandría, mediante la donación de su libro Creación Continúa, realizado con óxido de plata sobre hoja de plata, obra que está en constante cambio por las reacciones químicas de su producción. Ha participado en más de 70 exposiciones colectivas en México y el extranjero, destacando la V, X y XI Bienales de pintura Rufino Tamayo; Primera Bienal de estampa Rufino Tamayo; VI Bienal FEMSA; Mexican Abstraction, Bond Latín Gallery, San Francisco California, 2008; Decantations, Saint Emilion Francia, 2010; Monotipos, Galería López Quiroga, 2002; Homenaje a Gunter Gerzso, Galería López Quiroga, 2001, entre otras. Dentro de sus exposiciones individuales destacan: El oficio y la transparencia, UAM Ixtapalapa, 2012; Pum pum pum y otros trípticos relacionados, Galería Arroniz Arte Contemporáneo, 2008; Cuadratura, Galería Metropolitana, 2006; Mudanza, Galería López Quiroga, 2001; Conciliaciones, Museo Universitario del Chopo, 2000; Teorema, MACO de Oaxaca, MASIN de Culiacán y Centro Cultural Isidro Fabela, 1999-2000; En Persona, Galería A Negra, 1990; Figuración Concreta en la Galería Expósitum, 1989; Calistenia en la Galería Sloane Racotta en 1988. 

Jeannette Betancourt, Brooklyn, Nueva York, E.U.A. 1959. Naturalizada mexicana. Se dedica a la escultura de tiempo completo desde 1995, capacitándose mediante talleres prácticos de producción escultórica y cursos de teoría del arte. Actualmente desarrolla obras basadas en situaciones inminentes en torno a la naturaleza. Becaria del Programa Sistema Nacional de Creadores de Arte 2013-2015 del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, FONCA. Su obra ha sido seleccionada en la Bienal de Monterrey, Bienal de Yucatán, la Muestra Nacional de Arte de Puerto Rico, entre otros. Ha realizado 19 exposiciones individuales y/o proyectos, y participado en más de 130 colectivas en Europa, Asia, América y África. Cuenta con obra pública en la Avenida Paseo de la Reforma, ciudad de México, Universidad Autónoma Metropolitana (Atzcapotzalco), ciudad de México, en el Centro Cultural para la Conservación de la Mariposa Monarca, Cerro Chincua, Michoacán, y en el Municipio Autónomo de Caguas, Puerto Rico, entre otras. Su obra se encuentra en importantes colecciones privadas, museos, e instituciones culturales.

María José de la Macorra, ciudad de México, 1964. Estudió la Licenciatura en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, UNAM, México. Ha expuesto de manera individual en México, Estados Unidos, Canadá, Japón, China, Nueva Zelandia y Australia. Es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte del 2008 a la fecha  y tutora de la disciplina de Escultura para el programa Jóvenes Creadores 2009-2011. Dentro de las exposiciones más recientes en las que ha participado destacan: Panorámica. Paisajes 2013-1969, en el Museo  del Palacio de Bellas Artes, 2013; Destello, Colección/Fundación Jumex, 2011; Dos perlas, Galería Nina Menocal, 2010; y  Hecho en casa: una aproximación a  las prácticas objetuales, Museo de Arte Moderno, 2009. A lo largo de su trayectoria ha sido merecedora de diversos reconocimientos como Premio de Adquisición en Escultura, Tercera Bienal de Monterrey, 1997; Beca de Jóvenes Creadores del Fonca, 1997; Programa de Residencias Artísticas México-Canadá, Banff Centre for the Arts-FONCA, 2000 y 2007; Residencia Artística en el Daum Museum of Contemporary Art, Sedalia, Missouri, E.U.A., 2002; Apoyo de la Fundación BBV-Bancomer, 2003 y 2008; y Beca de la Fundación Pollock- Krasner, 2006-2007. Entre sus proyectos destacan: Tránsitos,  Museo de Monterrey, 1998; De las geografías al  norte interior, Galería de Arte Mexicano, 2001; De nubes y lluvia/ torres de agua, Galería de Arte Mexicano, 2005; Cambio de estado: proyecto para plazas públicas, 1999-2003, Centro Histórico, México, D.F.; Pasaje- sitio-contacto, 1998, Quebec, Canadá;  Dynamis, 2001, y Las 20 perlas, del 2006 a la fecha.

derivaciones pictóricas

DERIVACIONES PICTÓRICAS. TRES VISIONES DESDE

LA PINTURA EN EL ARTE CONTEMPORÁNEO

Luis Rius Caso

Curador invitado 

Tres relevantes propuestas nacidas del quehacer y la reflexión pictórica verifican en esta muestra la propuesta del formato 3, que desde hace alrededor de un año sustenta el proyecto curatorial de la Celda Contemporánea. Derivaciones pictóricas, título de la muestra, reúne así tres vocaciones fraguadas en el acto de saber pintar. De saber hacer, ver y pensar desde la pintura. De saber practicarla en sus límites y más allá de estos (del marco: el límite devenido umbral), expandida en el espacio y en las ideas, en las materialidades específicas y diversas de superficies que son dimensiones concretas, a la vez que expansiones simbólicas del mundo.

Saúl Villa forma parte de la generación a la que correspondió enfrentar el imperativo de dejar sin efectos, a través de un ejercicio vivo y propositivo, el decreto posmoderno que abolía a la pintura como medio artístico. Su éxito en tal sentido fue patente en los momentos de mayor negación, cuando a raíz de su desplazamiento de los principales foros “de actualidad”, la pintura adquirió en sus manos (entre los exponentes más destacados) un papel verdaderamente transgresor. En tiempos recientes, cuando el retorno de la pintura es un fenómeno indiscutible, su obra despliega con gran eficacia recursos conceptuales y estéticos (donde destacan la belleza, la ironía, y el humor) que son fruto de su madurez, fidelidad y consistencia. Una aguda visión crítica proyectada desde este género, aunada a una revisión crítica (autocrítica) del mismo, han marcado su trayectoria, como también la capacidad de innovar en formatos convencionales, en el campo expandido y en relación con otros medios. Su propuesta Painting myself into a corner, involucra a la misma acción en dos planos temporales (el filmado y el desarrollado de manera presencial). Estos corresponden a una cadena de “malas decisiones”, como la elección misma de la pintura (explicado así por el artista), que concluyen con el arrinconamiento del ejecutante en un lugar sin salida. Con notable imaginación Saúl Villa juega con la noción de proyecto fallido, a partir de una amplia visión interdisciplinaria de la pintura que comprende video, acción e instalación in situ.   

Berta Kolteniuk proviene también de esa generación y de enfrentar el mismo imperativo, que afectó a diversos artistas que no optaron por abandonar la pintura. También ella nos presenta una obra que se conecta claramente con su trayectoria, en la que se distinguen ideas muy precisas de transitar de la bi a la tridimensión, y de investigar en torno a la polisemia y a sistemas que plantean juegos de semiosis infinitas del color. Hijas de aquellas torres de paneles de color intercambiables, titulada Chrome, de aliento constructivista, las dos obras interrelacionadas que presenta en esta muestra, Muralla y Struggle for pleasure, involucran activamente al espectador, invitándolo a contemplar, a entender y a jugar. Los pequeños rectángulos de tres tamaños diferentes, pintados por todos sus lados, contienen en la contundente y hermosa muralla los valores simbólicos, icónicos e indexales que han sido constantes en la producción de Kolteniuk. Puesta sobre la mesa, su pintura irradia la elegancia, la economía formal y el admirable rigor estructural que le conocemos, distintivos de su autoría. En la otra mesa, aparecen indicios de esta autoría que invitan a los participantes a jugar con el principio del parecido y lograr así paredes, puertas, casas, ladrillos, libros… Como sus colores y formas, la autoría de la artista se expande, diluye o resignifica a partir de un sinnúmero de abducciones por venir; de hipótesis anónimas que propondrán libremente distintos escenarios y distintas maneras de sentir el placer del juego y de la creatividad.

Aníbal Catalan, artista emblemático de la pintura expandida, actualiza principios fundamentales de vanguardias como el constructivismo y el suprematismo. En sus instalaciones pictóricas y escultóricas, casi siempre improvisadas, como él mismo lo dice, establece una resistencia y una interacción dialógica que simbolizan la coexistencia (y no la convivencia dialéctica), de elementos heterogéneos en sistemas y formas complejas. Su profunda relación con la arquitectura se da a partir de su funcionalidad, de sus formas representacionales, de sus posibilidades domésticas y experimentales, y de diversos niveles de sensaciones –en los que la incertidumbre suele tener un papel determinante. En Derivaciones pictóricas, Aníbal Catalán presenta dos piezas: Proun 8 y Barricada suprematista, la primera suspendida y la segunda colocada sobre el piso. Ambas están realizadas con diversos materiales como aluminio, acero, madera, pvc, acrílico y luces fluorescentes. Proun 8 se basa en un concepto de Lissitzky, (artista suprematista 1925) y Barricada suprematista, está concebida con el mismo espíritu de las vanguardias rusas de principios del siglo XX.

Abril, 2013

Berta Kolteniuk, Ciudad de México, 1958. Artista de larga trayectoria, egresada de la ENAP. Radicó en EU de 1997 al 2004. Ha participado en más de 80 exposiciones colectivas tanto en México como en el extranjero. Entre sus individuales destacan: CHROME, pintura, escultura, instalación, 1999-2009, Polyforum Cultural Siqueiros, 2009; Menta y chocolate, Fundación Sebastián, 2009; Two perspectives, Skape Gallery, Seúl Corea, 2005; Rosebud, Galería Drexel, 2004; Traveling, Adani Gallery, Dallas, TX. Cold & Warm; Instituto Cultural Mexicano, Washington, DC, (la cual recibió una crítica favorable en el periódico “The Washington Post”); Antártica, Instituto Cultural Mexicano, San Antonio, TX, entre otras. Recibió la beca de artista por el DC Commision on the Arts and Humanities, en Washington, DC, 2003 y la Beca de Proyecto y Coinversiones, FONCA, 2009. Mención honorífica en el Salón de Octubre 99, Fundación Cultural Omnilife, Guadalajara, Jal. México, y el Primer lugar en el 4o. concurso Internacional, de la galería Studio 4 West, Piermont, NY. Su trabajo surge de la experimentación en la pintura con la que lleva trabajando muchos años, llegando a una síntesis de exploración cromática, basada en campos de color en formas modulares tridimensionales con las que explora el espacio.

Saúl Villa, Ciudad de México, 1958. Estudió técnicas gráficas de 1976 a 1982 con Frank Conelly, Mark Balakjian y Juan José Torralba en Londres y Barcelona.  Ha expuesto individualmente en La Bienal de La Habana, El Clauselito, La Periferia, Museo Carrillo Gil, Museo Experimental El Eco, Casa Luis Barragán, Galerie in Traklhaus Salzburg, Sala Germán Gedovius, San Luis Potosí, Galería de Arte Mexicano, Galería OMR, Galería Arte Contemporáneo y Galería Juan Martin. Ha participado en numerosas exposiciones colectivas en museos como The Metropolitan Museum of New York, Museum der Moderne, Salzburg; Museo de Arte Moderno de México; Museo Carrillo Gil, Museo Diego Rivera, El Museo Anahuacalli Diego Rivera, México, Galerie in Traklhaus Salzburg, y en numerosas galerías privadas. Es miembro del Sistema Nacional de Creadores CONACULTA. Obtuvo el Premio de Pintura de la Tercera Bienal Nacional de Artes Visuales de Yucatán. Actualmente es el Director de Artes Visuales de la Escuela Superior de Artes de Yucatán, Mérida.

Anibal Catalan, Iguala, Guerrero, México, 1973. Egresado en Artes Visuales de La Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado "La Esmeralda", 2001-2006. Estudios de Arquitectura en la Universidad Anáhuac, 1993-1997. Ha exhibido nacional e internacionalmente, tanto individual como  colectivamente en Oktubre, 2012,  Polyforum Siqueiros y Supremat, 2012, en la galería Yautepec, México, D.F.; Reading The Space, en CAN Seúl y CAN Beijing, 2011-12; Open Sky, en la Galería Drexel, Monterrey, 2010; Overland, Steve Turner Contemporary, Los Ángeles, 2008; y Free & Mobile, Gallery 415, San Francisco, EU. An Exchange with Sol LeWitt, MASS MoCA, Boston, EUA; Certamen Internacional Explum, Puerto Lumbreras, Murcia, España; Cimbra Formas Especulativas y Armados Metafísicos, en el Museo de Arte Moderno de México; Light Art Biennale, Lichtkunst, Linz, Austria. Así como en la Bienal de Land Art en Mongolia y en Les Rencontres Internacionales Paris-Berlín-Madrid, en Centre Pompidou, Museo Nacional Reina Sofía y Haus der Kulturen der Welt HKW en 2009. Actualmente es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte FONCA (2011-2013). Ha sido becario del Programa Jóvenes Creadores FONCA (2004-2005) y ha recibido premios y menciones honoríficas así como seleccionado en Residencias Artísticas como: Art Omni International Artists Residency, Nueva York, 2010, Museo de Arte Contemporaneo Baie Saint Paul, Quebec, 2008, y en el Vermont Studio Center, 2005. También ha recibido becas de producción por la Mex Am Foundation, 2004-2005, y por el consejo de Artes y Letras de Quebec, 2008.