domingo, 18 de octubre de 2015

Immersive Frames


Immersive Frames

Immersive Frames es una exposición de video y video instalación de artistas británicos que se celebra dentro del marco del Año Dual entre México y Reino Unido. La muestra responde a recientes desarrollos y preocupaciones de los artistas que examinan las posibilidades de la imagen en movimiento y la video instalación en relación con el lenguaje, la tecnología y la tensión entre la omnipresencia de imágenes y la percepción real e ilusoria del tiempo y del espacio. Se presentan cuatro obras reconfiguradas y una instalación.

La inmersión como acción física y psicológica se puede interpretar de varias formas según el tiempo y el contexto en el que se trate de entender. Recientemente se habla de la inmersión cuando alguien se adentra a un espacio rodeado por imágenes tridimensionales, sin embargo la inmersión hoy parecería darse constantemente cada vez que nos asomamos a los televisores y dispositivos móviles digitales. Gozamos la facultad de estar inmersos entre la realidad orgánica y las infinitas realidades ofrecidas por señales electrónicas de dichos dispositivos superconectados. Las obras en esta muestra ilustran solo algunas formas de inmersión.

Rebecca Lennon, suele posicionar imágenes, sonidos y otros elementos cotidianos y extraños en la creación de ambientes inmersivos. Presenta The Desert, 2015, una instalación de tres canales con narrativa sonora, Eat My Bankruptcy Baby, 2015 y un tapete zapoteca tejido a mano en Oaxaca, de 2 x 3 metros, en el cual reúne varios títulos de canciones con la palabra “baby” y la frase “Eat my Bankruptcy Baby”. Los motivos zapotecas en auto reflexión, aluden a los procesos de consumo colonial y capitalista inherentes dentro en su propia producción.

La obra de Elizabeth Price se caracteriza por la exploración y re-configuración de distintos tipos de medios, tales como archivos de cine, video, fotográficos, sonoros y textuales, entre otros medios históricos y contemporáneos. Presenta la instalación de un canal The Woolworths Choir of 1979-2012, con la que fue galardonada con el prestigioso reconocimiento Turner Prize, 2012.

A diferencia de las propuestas de Rebecca y Elizabeth quienes crean ambientes sensoriales que intentan absorber física y mentalmente al visitante en entornos específicamente construidos, Anna Barham y Gabriel Stones, presentan obras de video en espacios neutrales. Estas obras aluden a la pantalla domestica y móvil que forma parte de la vida diaria de las sociedades contemporáneas y tienen la facultad de conectar momentáneamente al usuario con múltiples lugares, tiempos y personas, creando así entornos de realidades mixtas.

La selección de estas obras, sirve como punto de partida para reconsiderar la noción de formas inmersivas en tiempo y espacio, y para pensar la realidad no como algo  absoluto ni tampoco relativo, sino como un conjunto de experiencias temporales creadas en la mente.

Javier Calderón
Curador invitado

*Agradecemos al British Council el apoyo brindado para la realización de esta muestra

























Elizabeth Price, Bradford, Inglaterra, 1966. Estudió en Ruskin School of Art, Universidad de Oxford, 1998. Posteriormente hizo una maestría en el Royal College of Art, 1999, concluyendo con un doctorado en la Universidad de Leeds. Ha recibido diversos premios y reconocimientos, dentro los que destacan: el premio como artista de la Fundación Jerwood, obtuvo la beca Stanley Picker de la Universidad de Kingston, y en el año 2012, ganó el distinguido premio Turner Prize por la obra “The Woolworths Choir of 1979”, (pieza con la que participa en la Celda Contemporánea), y un año después recibió el Premio Anual de la Contemporary Art Society. Elizabeth Price crea entornos inmersivos con videos que incorporan video digital, gráficos en movimiento, animación por ordenador en 3D y sonido. Estos videos están relacionados con la cultura material de hechos históricos y la forma en que se han analizado. Elizabeth Price, es representada por la Galería MOT.

Rebecca Lennon, Manchester, Inglaterra, 1981. Estudió Arte e Imagen en movimiento en la Universidad Hallam de Sheffields y realizó una maestría en Arte y medios, en la escuela Arte Slade. Además de desarrollarse como artista ha curado varias exposiciones en Liverpool, Londres y Berlín. Algunas de sus exposiciones incluyen; Don't let it end this way, tell them I said something, Bloc Projects, Sheffield, 2012; We are Stuck Here Together, Ceri Hand Gallery, Liverpool, 2010; Since They Got Rid of Time, Galería Metro, Berlin, 2008. Dentro de sus exposiciones colectivas destacan; Move Forward – New Mexican European Media Art, Halle (Saale) Alemania, 2012; Notes on an Autobiography, Limoncello Gallery Punctuation Programme, Londres, Making Ships in Bottles, Cafe Gallery Projects, Londres, 2010; The Economy of the Gift, A Foundation, Liverpool, 2010. Rebecca Lennon combina textos, video, sonido y performance con utilería creada técnica y manualmente por ella misma. Nos propone narrativas inconexas, no lineales, textos instructivos y acciones performáticas matizando el lenguaje del cine, la conspiración, la publicidad y los rituales, dentro de narrativas personales que crean diálogos confusos.

Gabriel Stones, Cumbria, Inglaterra, 1984. Estudió en la Universidad de Liverpool, John Moores University, en 2008 y en la Royal Academy Schools, en 2014. Actualmente es investigador de medios digitales en la Royal Academy de Londres. Gabriel Stones fue co-director de la organización de arte The Royal Standard, del 2008 al 2009 y ha mostrado su obra en un gran número de galerías incluyendo Chisehhale Gallery y la Royal Academy. Está interesado en la autobiografía y la narrativa en primera persona, utiliza protagonistas imaginarios o autobiografías, presentadas como ficción para retratar angustias existenciales comunes. I like things that have a relationship to the ground, which is what I think sculpture is; something that stands up, or out of writing, than messing with materials.

Anna Barham, Birmingham, Reino Unido, 1974. Estudió Filosofía y Matemáticas en el Fitzwilliam College de Cambridge, de 1992-1995, y Arte, en la Slade School of Fine Arts, 1997-2001. Dentro de sus exposiciones individuales recientes destacan: Fig-2 30/50 at ICA Studio, Galería Nordenhake, Estocolmo, Composite, Bruselas, 2015; Rotterdam Film Festival, 2015; Hayward Gallery Project Space, Londres, 2014; Arcade, Londres, 2013; Site Gallery, Sheffield, 2013, MK Gallery, Milton Keynes, 2013; Art on the Underground, Londres, 2012. Dentro de sus exposiciones colectivas incluyen: Centre Pompidou, Paris, 2015; Künstlerhaus KM–, Graz, Austria, 2015; STUK, Leuven 2014; South London Gallery, London, 2013; Turner Contemporary, Margate 2013. Anna Barham incorpora textos, video, dibujo, escultura y performance en su práctica. Su trabajo se centra en el texto como materia principal de su producción – examinando así el inagotable y complejo potencial del lenguaje a través de las operaciones corporales y tecnológicas que actúan sobre este. Investiga la síntesis entre el sonido y el significado y la producción física de la lengua como sonido. En su afán por estudiar la mutabilidad del lenguaje y la semántica, Anna Barham amplía su investigación sobre la dicotomía entre significado y traducción como códigos diversos.

lunes, 3 de agosto de 2015

historia adulterada


Historias adulteradas

En nuestros días, la escultura, basada preeminentemente en evoluciones formales, se introdujo en el escenario de las artes visuales a partir de estrategias asociadas a otras técnicas artísticas. De esta manera y por ejemplo, negoció con las instalaciones una incorporación más activa del espacio circundante y del video, aprovechó las narrativas inherentes a la imagen en movimiento, por nombrar tan sólo dos de los entrecruzamientos que definen las prácticas artísticas contemporáneas. El título de esta exposición, Historia adulterada, parece dar cuenta de manera doble tanto de la deriva de lo escultórico que señalo líneas atrás, como de los abordajes  transversales, técnicos y conceptuales a los temas que definen los trabajos de Edna Pallares, Jimena Schlaepfer y Carmen Lang. Resulta interesante constatar cómo cada artista falsifica (es un buen sinónimo de adulterar), las historias que abordan.

Edna Pallares rescata vestigios arquitectónicos del añejo claustro de Sor Juana, visibles en la Celda Contemporánea, a partir de sus vaciados en caucho de silicón, proponiendo una recuperación del pasado desde aquel concepto del “fantasma” con el cual Rosalind Krauss describe otros vaciados, estos en yeso: los de la escultora inglesa Rachel Whiteread y desde la correspondencia entre la fotografía y la escultura en yeso, en tanto ambos atrapan un momento de la historia, e igualmente lo hacen desde un negativo.

Jimena Schlaepfer despliega unas historias desde la mitología y las ciencias naturales a partir de técnicas artísticas variadas que se materializan a su vez como un registro etnográfico –y escultórico-, bajo la sombra de un protagonista especial: el tótem. No resulta azaroso, en este tráfico de referencias escultóricas, que la artista se haya fascinado con animales prehistóricos: artrópodos y trilobites. Fósiles cuya naturaleza es eminentemente escultural y al igual que las ruinas de Pallares, son unos vaciados hechos por la sedimentación pétrea que regresan a nuestros días, incorporándose a la narrativa fabulada y totémica de Schlaepfer.

Las esculturas de Carmen Lang, se alzan desde uno de los grandes géneros de su historia como es el cuerpo humano. En sus obras, las protagonistas son piernas que anudadas y enlazadas, congelan un instante como las cronofotografías de Edward Muybridge, que registran todos y cada uno de los galopes de un caballo o el salto de un atleta, (uno de los temas preferentes de esta artista). Lang reúne gestos, movimientos y flexiones en un volumen musculado, haciendo que estas piezas condensen toda la historia de la escultura figural desde aquellas descripciones de las piernas marmoleadas del primer tratadista del arte, como lo fue Plinio el Viejo. Al igual que los monstruos marinos de Jimena Schlaepfer y las ruinas fantasmales de Edna Pallares, nos cuentan una historia falsificada –adulterada- de un regreso fantasmagórico del pasado.

Carlos E. Palacios
Agosto 2015
































Carmen Lang, Ciudad de México, 1969. Estudió la carrera de pintura en La Escuela Nacional de Pintura, Grabado y Escultura, La Esmeralda, 1991-96. De 1997 al 2003, se desempeñó como maestra en la misma institución, dando clases de dibujo y escultura en cerámica. Posteriormente, realizó la maestría en el California College for the Arts, San Francisco, EU, 2013, donde obtuvo la beca de artista George B Saxe. Se dedica a la escultura en cerámica desde hace más de 20 años y ha realizado diversas exposiciones tanto nacionales como internacionales, entre las individuales más recientes, destacan: Fragment Beings, en John Natsoulas Gallery, Davis, CA, EU, 2014 y New Ceramic Works, en Roscoe Ceramics Gallery, Oakland, 2014. Colectivamente ha participado en, Barro Total, Museo del Arzobispado, México, 2014; 8th Annual Juried Exhibition, Axis Gallery, Sacramento, CA, EU, 2013. Recientemente, participó como artista invitada en el simposio Human Form Symposium en Arrowmont School of Crafts, 2014, donde además de dar una ponencia, expuso su obra. Ha sido beneficiaria en dos ocasiones por becas para residencias del FONCA, CONACULTA, una individual en 1999 y otra de intercambio, 2000-01, en Banff Centre for the Arts, Canadá. Desde hace 12 años, reside en el norte de California, EU, donde trabaja en los talleres de Grass Valley y Berkeley. También se ha desempeñado como maestra de dibujo, escultura en cerámica, diseño y pintura mural, en diversas universidades de Estados Unidos, como: Holy Names University, San Francisco Art Institute, UC Berkeley y Richmond Art Center.

Edna Pallares, Ciudad de México, 1965. Estudió la licenciatura y maestría en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM. Realizó estudios de especialización en Paris e hizo una residencia artística en Canadá. Ha realizado múltiples exposiciones individuales dentro de las que destacan las realizadas en la galería de Arte Mexicano, galería Drexel, Museo Federico Silva Escultura Contemporánea y el Museo Universitario del Chopo. En exposiciones colectivas destacan las efectuadas en el Palacio de Bellas Artes, la galería Metropolitana, el Museo Arte Contemporáneo Carillo Gil, entre otras. Ha obtenido varios premios y distinciones como: la beca Jóvenes Creadores de arte, FONCA, 1er. lugar en Pintura, otorgado por la Association France-Liberté, Paris, Francia, tercer lugar en le Snow Sculpting Competition, Michigan, EU. También participó en el II Simposio Internacional de Escultura, realizado en la ciudad de Mérida, Yucatán, 2013. Actualmente, es beneficiaria del Sistema Nacional de Creadores de Arte, FONCA, CONACULTA, emisión 2013-15. Su obra ha sido publicada en varios medios, dentro de los que destacan Cuadernos Híbridos 09 UAEM, Textofilia, la Revista Inventium UAEM y en el Diccionario de Escultores Mexicanos del S.XX. Al mismo tiempo complementa su trabajo profesional con la docencia, tanto a nivel licenciatura como con la maestría, en CENTRO y en la Facultad de Artes de la UAEM de Morelos. La temática de su obra, generalmente tiene que ver con los objetos cotidianos redimensionados, reinterpreta utensilios de uso común, mediante medios escultóricos tradicionales como el mármol, la cerámica o el concreto. De igual forma, utiliza constantemente la línea como elemento de construcción tridimensional, para completar la obra.

Jimena Schlaepfer, Ciudad de México, 1982. Egresada de la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” 2001-2006. Fue becaria del FONCA  para Jóvenes Creadores en el período 2006-2007 y en 2011-2012, en medios alternativos. En 2014, obtuvo una residencia artística en Banff Centre, Canadá. Ha sido merecedora de diversas distinciones como, premio en la categoría imagen en movimiento, de la Segunda Bienal Nacional de Arte Visual Universitario de Toluca en el 2005 y obtuvo una mención honorífica en la Bienal de Arte Emergente de Monterrey NL, en el 2006. Cuenta con diversas exposiciones individuales y colectivas en México y el extranjero, destacando, Cosmogonía Trilobita en Feral, México DF, 2015; Herbolario Plantas Humanas en Galería Domicilio Conocido, México DF, 2014; Paisajes que sólo existieron aquí, en la UACM, plantel Col. del Valle, México DF, 2011. En colectivas como Horror en el Trópico, en el Museo Universitario del Chopo, México DF, 2014; Infinita Alternancia, en el Museo de la UPAEP, en la ciudad de Puebla, 2014; Zoologías Contemporáneas en el Centro Vlady, México DF, 2011; DRAW en el Museo de la Ciudad de México, 2010, entre otras. También ha participado en ferias de arte en México, Italia y Colombia. Actualmente es parte de NETER proyectos, colectivo de artistas. Su obra se ha desarrollado dentro del campo del dibujo, la escultura, la instalación, el video y la animación. El tema es siempre el mismo, la naturaleza como una fuente de posibilidades visuales y de metáfora.