entretejidos

ENTRETEJIDOS

Entretejidos pone en diálogo a tres artistas contemporáneos cuya producción se inspira en y reactiva materiales naturales y manufacturados y su conjunción, para abrir su potencialidad significativa hacia alusiones múltiples: simbólicas y afectivas, sociales y personales, enlazando la sensibilidad corpórea y su inscripción gestual por medio de la vivencia de texturas, espacios y objetos.

Miriam Medrez en Talla 0, pone en escena con fina ironía a la lechuga como protagonista en el drama cotidiano de la búsqueda femenina por alcanzar la delgadez, representada en los medios como ideal corpóreo. Transformando lo que ella denomina “este insípido e indefenso vegetal” en una planta carnívora, revela su “doble cara”, como símbolo de la violencia que nosotras mismas a menudo nos ejercemos. En aras de conformarnos a estándares impuestos por la sociedad que hemos internalizado, nos enredamos en estados de conciencia tan confusos como las configuraciones que deliberadamente traza esta instalación escultórica.

Mónica Deutsch, en La doncella y Red de asbesto, literalmente entreteje objetos encontrados, a menudo abandonados o en desuso, para construir máquinas de deseo que evocan a la vez los impulsos siniestros y destructivos del ser humano, y su contraposición con pulsiones vitales.  Sus construcciones, aludiendo a una lucha simbólica subyacente tanto a nivel social como a nivel del psique individual, sugieren poderosamente las posibilidades que nos brinda la resignificación poética de la materia.

Héctor Velázquez, en Molde paterno y Dendrografías potencia las huellas de la vida y su presencia penetrante, subrayando como -en sus palabras- “los límites físicos del cuerpo se extienden y se mezclan con otros entornos”, provocando múltiples asociaciones formales y conceptuales. En el primer caso, la superficie de la camisa y el pantalón desdoblados de su finado padre se convierten en el soporte para un bordado intricado que a la vez evoca un mapa orográfico e hidrográfico de su región natal, y los tránsitos del flujo sanguíneo del cuerpo humano. Asimismo, los reiterativos anillos de los árboles, registrados en tela por medio de frottage, sugieren un trasfondo de infinita vitalidad en las diversas configuraciones lineales generadas por la naturaleza y emuladas por la mano del homo sapiens.

Karen Cordero Reiman
febrero, 2014

Miriam Medrez, Ciudad de México, 1958. Estudió Artes Visuales en la Universidad Nacional Autónoma de México y en la Universidad Concordia en Montreal, Canadá. Cursó un taller de instalación con la artista Helen Escobedo en Monterrey NL. Se desempeñó como docente en la Universidad de Betzalel, Jerusalén, Israel, y en el Centro de Estudios Superiores de Diseño de Monterrey (CEDIM).  Desde 1985 vive en Monterrey, lugar donde conceptualizó, desarrolló y consolidó gran parte de su trabajo como escultora. Su trayectoria esta caracterizada por una constante e inquietante búsqueda creativa, abordando distintos campos y medios, dándole ha dado a su trabajo un componente multidisciplinario. Durante muchos años se desarrolló en la cerámica, pero en la actualidad realiza sus exploraciones escultóricas con tela y costura. Cuenta con más de cien exposiciones colectivas, 15 individuales, tanto en México como en el extranjero, E.U., Canadá, Venezuela, Austria, Dinamarca, Francia, Irlanda y Portugal. Cuenta con numerosos premios y reconocimientos entre los cuales destacan: 1er lugar en Escultura, IV Bienal Monterrey FEMSA, 1998; Beca del Sistema Nacional de Creadores FONCA/CONACULTA en dos emisiones 2006-09 y 2010-13; seleccionada en la X y IX Bienales FEMSA, Monterrey NL. Su obra se encuentra en numerosas colecciones públicas como en el Museo de Arte Moderno, el de Monterrey, Museo MACO, Amparo de Puebla, SHCP, México, D.F. San Juan Puerto Rico, entre otras. Algunas de sus más recientes exposiciones individuales son: Hilvanando Identidades, Museo de Arte de Querétaro; Cuerpo y ausencia, Capilla del Arte de la Universidad de las Américas, Puebla, 2013; Zurciendo, y Lo que los ojos no alcanzan a ver, en Crearte de ICBC, Ensenada Baja California, 2011; La estructura de la piel, Museo Marco de Monterrey NL, 2008; Del Desierto, Museo de Hacienda y Crédito Público, México D.F. 2006; Trayectos, Galería Ramiz Barquet, Monterrey NL, 1999, entre otras. Aún cuando ha transitado por la abstracción, el vínculo con la corporeidad es una constante en su trabajo. La reflexión sobre el cuerpo de la mujer es el sujeto de su obra que se aborda desde la mirada de la propia artista, revelando una poderosa conexión entre el cuerpo, el espíritu y la mente.

Héctor Velázquez, Ciudad de México 1965. Estudió Artes Plásticas en la UNAM y posteriormente realizó estudios de escultura, en la Escuela Superior de Arte de la Universidad de Berlín y en la Academia Estatal de Artes Plásticas de Stuttgart, Alemania. Ha realizado numerosas exposiciones individuales y ha participado en más de cincuenta colectivas, tanto en México como en el extranjero. En su obra, se ha interesado en explorar la relación entre el cuerpo humano y su entorno, sus formas, concepciones y sensaciones, así como con la comunicación entre ellos y entre los demás. Entre sus exposiciones individuales más recientes destacan: Testimonios, Zeugnisse einer Transformatio, Pavillon am Milchof, Berlín, Alemania, 2013; Unfolding bodies, Galería Puerta Roja, Hong Kong, 2012; Héctor Velázquez, Cuerpos Desdoblados, Museo de Arte de Querétaro, Qtro, 2008; y de manera colectiva en Design Week México, Design House, México, 2013; Human Topographies, Galería Puerta Roja, Hong Kong, 2013; Berlin Art Fair, Galería Terreno Baldío, Berlín, Alemania, 2012; Belleza Visceral, Galería Manolo Rivero, Mérida, Yucatán, 2012; IV Bienal Internacional de Arte Textil Contemporáneo, Museo Anahuacalli, México, 2011; Zona MACO Arte Contemporáneo, México, 2010, entre otras. Ha recibido diversos reconocimientos, becas y premios, entre los que destacan: Beca para estudiantes extranjeros en Alemania del Estado de Baden-Wurtemberg, 1991- 92; Beca Jóvenes Creadores, 2001; Primer lugar, del Gran Premio Omnilife de Escultura, en Guadalajara, Jalisco, 2001 y actualmente la beca del Sistema Nacional de Creadores de Arte, FONCA / Conaculta, México, 2012. Su obra forma parte de diversas colecciones públicas y privadas, como el Banco de México y el Museo Universitario de Arte Contemporáneo de la UNAM. En un proceso de introspección, casi ritual, Velázquez teje su intima concepción del cuerpo humano con nuevas y viejas “pieles” retomando en algunos casos cosmovisiones prehispánicas como la del Xipe Tótec. Busca, entre otras cosas, incursionar en regeneraciones emocionales y casi siempre relacionadas con seres vinculados directamente a él. En su obra, investiga las relaciones psíquicas y anímicas entre las representaciones del terreno físico o mapas topográficos, con el cuerpo, la dermis y la ropa que la cubre. 

Mónica Deutsch, Ciudad de México, 1964. Estudió Diseño de modas, corte y confección, en el Instituto Internacional Feli, Arte y Técnica del Vestir, en Barcelona, España, 1984-86. Posteriormente cursó talleres de pintura y dibujo, en el Centro Cultural "El Nigromante", de San Miguel Allende, Gto., y de escultura con el maestro Lothar Kestembaum, radicando en ese lugar por un período de dos años, 1986-88. También estuvo un tiempo estudiando pintura experimental en la Academia de San Carlos y posteriormente en La Esmeralda. Ha expuesto individualmente "Desierto", en el Foro R-38, de la Universidad del Claustro de Sor Juana,  México, D.F., 2012; "Retícula de vínculos", en el Café la Gloria, México, D.F., 2011, y "360 grados", en la Galería Florencia Riestra, México, D.F., 2007. Algunas de sus exposiciones colectivas son: “Dame una G”, Café la Gloria, México, D.F., "Una vez terminado el juego, el rey y el peón regresan a la misma caja", Galería Le Laboratoire, México, D.F., "Espacio Flexible", La Quiñonera, México, D.F., “Exposición de dibujo”, Espacio M, México, D.F., “4ta. Intervención Artística Colectiva”, Hotel Intercontinental, México, D.F., "Colectiva 2d", Galería Kunsthaus Santa Fe, San Miguel Allende, Gto., "Dibujos en Zona", Galería Zona, México, D.F., y en el Centro Cultural "El Nigromante", San Miguel Allende, Gto., en diversas ocasiones. Al conocer las obras de Joseph Beuys y Louise Burgoise, su concepción del arte comenzó a cambiar y a enriquecerse, estos artistas le abrieron un nuevo campo significativo de posibilidades, le ayudaron a vislumbrar nuevos caminos de exploración y experimentación. En 2005 introdujo nuevos materiales y comenzó a trabajar con telas, cuero, fieltro, cera, hilo, huesos, barro, etc. De esta forma pasó de lo bidimensional a lo tridimensional para comenzar un trabajo más cercano al objeto, a lo escultórico. "Me interesa la interacción cotidiana entre lo urbano y la naturaleza, lo que desechamos, un alambre de púas que en algún momento sirvió para delimitar una azotea, el tinaco de asbesto de los años cuarenta que fue reemplazado por uno más moderno, un vestido cóctel de los años 70s, una rama de árbol tirada en el parque, un hueso seco en medio del campo, piedras, etc. Esto que me voy encontrando en mis recorridos urbanos y también en mis viajes, me sirve para después hacer ensambles con un nuevo significado."

horizontes fracturados

Horizontes fracturados

"Superficie de las aguas,

de los rayos refulgentes

del Sol se forma.

Y en trono

de cristales aparece…"

Sor Juana Inés de la Cruz, Cuarta loa a los años de rey.

En esta ocasión, el programa expositivo que ha venido realizando Berta Kolteniuk en la Celda Contemporánea, se concreta en un tributo a sor Juana Inés de la Cruz –desde la realización, en el modo del sitio específico, de tres artistas mujeres-. Las piezas producidas para este montaje pertenecen, en general, al medio de la instalación, aunque cada una de las autoras ha construido un tipo de presentación espacial de diferente planteamiento estético. Del vasto contexto de los referentes que constituye la figura y la obra de sor Juana, las tres creadoras han aludido, en sus respectivas aproximaciones, al poder que manifiesta el discurso versual en la obra de la poeta y a la zona crítica de la biografía: el distanciamiento de aquella mujer radiante respecto al reino del saber. 

Magali Ávila presenta una estructura modular, a medio camino entre un elemento métrico y una configuración aleatoria, con superficie de efecto metálico. Al tiempo, ha editado un contenido visual combinatorio (con material de autorretratos e imágenes de la efigie de sor Juana, procesados gráficamente y traslapados entre sí) que se ve proyectado de forma provocativa sobre la estructura. La obra trae a cuento la intuición de la experiencia de la totalidad, y la lucidez mórbida que hereda la lectura del soneto CXLV, pero también la dosis de ambivalencia hipnótica del conceptismo barroco, colmado de antinomias que se resuelven y contrastan al infinito. 

Lorena Camarena plantea su propuesta, en términos de umbral, en el tránsito entre dos espacios museales de la Celda que han sido concebidos en distintas gravedades objetuales. La artista propicia una posibilidad para meditar perceptualmente sobre la dimensión espiritual del entorno cotidiano del encierro religioso; y, en paralelo, sobre la asociación inmemorial entre espacio doméstico cerrado y el asunto de la opresión/ emancipación femenina; para ello, recurre al audiovisual (con una pieza para voz y piano del mítico Michael Nyman, compuesta –específicamente- para esta instalación/ ambientación), a la edición en video de una representación corporal algo narrativa, algo simbólica, y al diseño de un espacio sutil que transcurre del blanco al negro y viceversa. 

Finalmente, la sección de Aurora Noreña, artista involucrada en una exploración de los registros esculturales postvanguardistas y de la noción de horizonte, está armada como una obra que detona cierta participación, sosteniendo la oportunidad de contemplarla como despliegue matérico con sentido: el espectador se reconoce en un espejo donde lee una palabras, y toma un documento para elaborar un poema visual en papiroflexia. El resto de la experiencia, en realidad, el detonador, consiste en una escultura monumental exenta y concreta que dialoga, por su forma, con el imaginario de la poeta y con una sección del programa ornamental del sitio, que está colmado de reminiscencias florales .

Erik Castillo
Octubre, 2013

Aurora Noreña, Ciudad de México, 1962. Estudió la licenciatura en Arquitectura en la UAM-Azcapotzalco y la maestría en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM. Conjuga su producción con el periodismo cultural y la docencia habiendo impartido clases en la Universidad Autónoma Metropolitana-Xochimilco, La Fundación Jumex, La Universidad del Claustro de Sor Juana y la Escuela de pintura, escultura y grabado, La Esmeralda, INBA. Ha expuesto de manera individual en la Ciudad de México y en diversas ciudades del interior de la república, la más reciente titulada De horizontes, en la Galería Homero 45, Guadalajara, Jalisco. Tiene en su haber un sinfin de exposiciones colectivas dentro y fuera del país de entre las que se destacan: Archipiélago, 14 microhistorias en el arte contemporáneo, Galería Arte Hoy, México, D.F., 2013; 20 años del FONCA, Biblioteca Vasconcelos, 2009, México, D.F.; Mujeres: sin cuenta, Mexican Cultural Institute, San Antonio, Texas, 2008, Hermandades Escultóricas México – Alemania, Fundación Macay, Mérida, Yucatán, 2008; Bienal de Arte de Fukushima, Japón, 2007; IV Bienal Internacional de Estandartes, Tijuana, Baja California Norte, 2006 y Arte-urbe, 34vo Festival Internacional Cervantino, Guanajuato, 2006. A lo largo de su trayectoria ha sido merecedora de diversos reconocimientos, como: Premio de Adquisición del XI Encuentro Nacional de arte joven, 1991; Beca Jóvenes Creadores en Escultura, FONCA, 1996-1997; Residencia artística ART/OMI, Ghent, Nueva York, EU, 1998; Beca Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales FONCA, por el proyecto Corrientes invisibles, 1999; Mención honorífica en escultura en el Salón de octubre, Gran Premio Omnilife, Guadalajara 2001. De entre sus proyectos de obra pública destacan: Corrientes invisibles, Metro Copilco, México, D.F., 1999; Pulsaciones, Instituto de Investigaciones Biomédicas, Ciudad Universitaria, México, D.F. 2008; y Firmamentos, Instituto de Ingeniería, UNAM, CU, México, D. F. 2010. Del 2010 a la fecha desarrolla un proyecto multimedia en torno al tema del horizonte y sus construcciones personales y culturales.

Magali Ávila Ciudad de México, 1970. Estudio Artes Visuales en Incarnate Word College, San Antonio, TX, Estados Unidos, 1986. Radicó en España del 2007 al 2011, donde se desarrolló como artista y cursó diversos talleres como Imagen y sonido en La Casa Encendida, Madrid, 2007; Diseño, 3D Isiconsulting, Puerto de Sagunto, España, 2010. Su trabajo, es el resultado de un proceso de investigaciones continuas de nuevas técnicas y materiales. Ha expuesto de manera individual en México, Estados Unidos, España, Suiza y Alemania, de las cuales destacan: From the three, Swaeff Art Consulting, Mallorca Puntiró, España 2009; Blood & Bees, La Esquina, Palma de Mallorca, España, 2008; Mirrors, Centro Cultural el Aire, México, DF, 2007; Del árbol, Rios Art, Nurnberg, Alemania, 2008; Del árbol de la vida, Galería Espacio, Morges, Suiza 2006. Colección otoño invierno, Hacienda San Gabriel de las Palmas, Morelos, 2001; Pinturas, Galería Ramón Alva de la Canal, Universidad Veracruzana de Xalapa, 1996, Atmósferas cautivas, Instituto Veracruzano de Cultura, Puerto de Veracruz, México. De manera colectiva, ha expuesto en múltiples ocasiones, entre las más recientes: Maletas migrantes, Museo de la Memoria y la Tolerancia, 2012, México, DF; Colectivo sin nombre, Museo Veracruzano de Cultura, México, DF, 2013; Mexican & Spanish Artist Collide, Sculptures by desing Art Studio, Houston Texas, 2011; Juego de Formas, cinco artistas con presencia en Suiza, Museo de Arte Contemporáneo de Puebla, México, 2007; Guadalupe en la cultura popular, Museo de Arte Moderno, México, 2005. Ha recibido diversos reconocimientos como, Beca de Jóvenes Creadores FONCA, por el Estado de Veracruz, 1996; Selección para la Bienal Fundación Arangaguey, Santiago de Compostela, España 2007; seleccionada para International Contemporary Art Prize, 2010, Barcelona, España. Actualmente, es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte, FONCA, emisión 2011.

Lorena Camarena, Ciudad de México en 1974. Pasó su infancia y adolescencia entre Estados Unidos, Uruguay y México. En 1992 regresó a México e ingresó al Instituto Tecnológico de Estudios Superiores de Occidente (ITESO) en Guadalajara, Jalisco, donde estudió dos años Psicología. En 1994 inició sus estudios formales de dibujo con el escultor tapatío Ignacio Garibay. De 1996 a 2000 estudió la Licenciatura en Artes Visuales, especialidad en Pintura, en la Universidad de Guadalajara, Jal. En 2001 se trasladó la Ciudad de México, donde actualmente radica y trabaja. Su obra ha sido destacada en numerosas ocasiones. En 1997 en del Salón de Octubre, Guadalajara, Jalisco, en 2003 en el XXIII Encuentro Nacional de Arte Joven, Aguascalientes, en 2008 participó en el Grabado del Bicentenario sobre Paseo de la Reforma, D.F. En dos ocasiones (2007 y 2010) participó en la exposición Mexique, Peinture Contemporaine, en el Instituto Cultural México á Paris, Paris, Francia, recibiendo una Mención honorífica.  Ese mismo año, dos obras de su autoría fueron seleccionadas para la II Bienal Gómez Palacio, Durango, Durango.En 2011 participó en la III Bienal Villa Gómez Chávez, en la ciudad de Colima, Colima, México. Cuenta con 14 exposiciones individuales y 29 exposiciones colectivas, en los estados de Jalisco, Colima, San Luis Potosí, Oaxaca, Durango, Aguascalientes y el D.F.; en el extranjero ha expuesto en Canadá, Francia y E.U.A. En 2011 presentó la exhibición Silencio habitado en la Galería Luis Cardoza y Aragón del Centro Cultural Bella época de la Ciudad de México. Ese mismo año fue invitada por el artista Luis Manuel Serrano a exhibir en el Centro Femenil de Readaptación Social Santa Martha Acatitla, donde convivió con las reclusas. En 2012 presentó Remedio Casero en el Café La Gloria, DF.

https://www.youtube.com/watch?v=gffGS7eI7cw

trayectos líquidos

Trayectos líquidos

El espacio que alberga la Celda Contemporánea, como vestigio arqueológico, determina a los artistas a interactuar con su arquitectura y preestablece un diálogo con ella. Actualmente, los artistas contemporáneos suelen buscar conexiones concretas con los sitios específicos donde realizarán sus obras, investigan e indagan los espacios para encontrar vínculos espacio-temporales y desarrollar sus propuestas. Cabe mencionar que originalmente el sitio en donde ahora se encuentra la Celda, resguarda vestigios de lo que fueran los baños, cocinas y patios que utilizaban las monjas del exconvento de San Jerónimo, construido en el siglo XVII. Trayectos líquidos, es una exploración en torno a uno de los elementos de uso originarios de la celda, -el agua-. El agua como común denominador de esta exposición, refleja tanto las preocupaciones actuales de abastecimiento, así como las repercusiones climatológicas en el medio ambiente, al mismo tiempo que nos hace reflexionar visual y poéticamente sobre su simbología ancestral a lo largo de la historia. El agua, como elemento vital de nuestra existencia en todos sus estados y manifestaciones, nos revela desde los reflejos abismales de su superficie, pasando por su fragmentación, condensación y precipitación, hasta llegar a su fruto sobre la tierra.

La instalación de Mario Palacios surge del encuentro fortuito entre el ojo avispado de un artista y la manifestación de la naturaleza en todo su esplendor, cuando por azares del destino descubre las formas y reflejos que la lluvia dejaba en el patio de su taller, sobre unos tapetes de neopreno que había arrojado. Y mira y observa, espejos de nubes, formas informes, restos, residuos, Narciso reflejado, abismos inundados. Y la visión se apodera de él, y él la retoma y nos la ofrece para nuestra propia contemplación y asombro. El agua reposa sobre la tierra en espera de continuar su ciclo, piensa en mares, lagunas y charcos, que siendo todos distintos en forma o tamaño, contienen el mismo líquido, fluido que transita y se transforma en diferentes estados sin inmutar su esencia.

Jeannette Betancourt, nos ofrece aguaceros, reverberaciones, tormentas, ecos en movimiento y corrientes incesantes en sus obras. Palabras fuertes tratadas con mano suave pero precisa, utilizando largas telas de organza semitransparente, nos presenta dos instalaciones flotantes, ligeras como la brisa, pero potentes en cuanto a su capacidad crítica de nuestro tiempo. Preocupada por el cambio climático y el poder destructor del agua, así como en “Radiografía del poder”, nos hace reflexionar sobre las contingencias que plantea la situación del agua en el planeta. Originaria de la isla de Puerto Rico, con clima tropical y acostumbrada a grandes y constantes precipitaciones pluviales, Jeannette toma y retoma el tema, para tratarlo desde diversos ángulos, como en la proyección del video que se presenta en la planta alta de la Celda, y que ella misma registró durante un viaje en barco por el mar Egéo en medio de una tormenta, “mientras tomaba las imágenes, comprendí cómo la fuerza y el temor al mar, inspiraron la creación de tantos relatos, mitos y dioses en su honor, a lo largo de la historia”.

Ácatl, de María José de la Macorra, es un salto al pasado por la cámara del  tiempo de la Celda, que nos transporta a un tiempo anterior a la edificación del convento, cuando en este sitio, no había más que tulares y carrizales encontrados a la orilla suroeste del islote de Tenochtitlán. Aquí, la referencia con el agua viene desde su origen prehispánico, donde el método común de cultivo eran las chinampas y donde entre otras cosas crecían las plantas de tule, “fruto” y producto del agua. El tule es una planta originaria de México y actualmente se encuentra en peligro de extinción. María José de la Macorra, nos presenta, en su intervención múltiple, físicamente con los carrizos de tule, aquellos que aún se pueden encontrar, en agrupaciones de “atados” de distintas dimensiones y colores. Con ellos, atraviesa virtualmente el tiempo y el espacio de la Celda, llenando sus huecos y recovecos, haciendo que aparezcan emergiendo o sumergiéndose como testigos del tiempo. Los carrizos nos evocan simbólicamente aquel otro momento, tratan de ser vectores simbólicos del tiempo, aquel en el que se contaba con atados de carrizos como podemos observarlo en la pictografía mexica. Algunos los presenta en su estado y color natural, que simbolizan la tierra y la piel humana, blancos (encalados), que simbolizan el día y el cielo, y negros (enchapopotados), que simbolizan la noche y el inframundo, como presencias ancestrales en nuestro tiempo contemporáneo.

Berta Kolteniuk

Agosto, 2013

Mario Palacios Kaim, Ciudad de México, 1953. Autodidacta. Sus obras se encuentran en colecciones de México, Francia, Inglaterra, Japón, Egipto y Estados Unidos. Las estrategias formales de su trabajo visual van desde el dibujo, la pintura, la instalación y el libro objeto entre otras. La variedad de técnicas y materiales que utiliza lo han llevado a investigar por diversos medios y talleres. Fue representante de México en Egipto en 2003 para la celebración del Primer aniversario de la Nueva Biblioteca de Alejandría, mediante la donación de su libro Creación Continúa, realizado con óxido de plata sobre hoja de plata, obra que está en constante cambio por las reacciones químicas de su producción. Ha participado en más de 70 exposiciones colectivas en México y el extranjero, destacando la V, X y XI Bienales de pintura Rufino Tamayo; Primera Bienal de estampa Rufino Tamayo; VI Bienal FEMSA; Mexican Abstraction, Bond Latín Gallery, San Francisco California, 2008; Decantations, Saint Emilion Francia, 2010; Monotipos, Galería López Quiroga, 2002; Homenaje a Gunter Gerzso, Galería López Quiroga, 2001, entre otras. Dentro de sus exposiciones individuales destacan: El oficio y la transparencia, UAM Ixtapalapa, 2012; Pum pum pum y otros trípticos relacionados, Galería Arroniz Arte Contemporáneo, 2008; Cuadratura, Galería Metropolitana, 2006; Mudanza, Galería López Quiroga, 2001; Conciliaciones, Museo Universitario del Chopo, 2000; Teorema, MACO de Oaxaca, MASIN de Culiacán y Centro Cultural Isidro Fabela, 1999-2000; En Persona, Galería A Negra, 1990; Figuración Concreta en la Galería Expósitum, 1989; Calistenia en la Galería Sloane Racotta en 1988. 

Jeannette Betancourt, Brooklyn, Nueva York, E.U.A. 1959. Naturalizada mexicana. Se dedica a la escultura de tiempo completo desde 1995, capacitándose mediante talleres prácticos de producción escultórica y cursos de teoría del arte. Actualmente desarrolla obras basadas en situaciones inminentes en torno a la naturaleza. Becaria del Programa Sistema Nacional de Creadores de Arte 2013-2015 del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, FONCA. Su obra ha sido seleccionada en la Bienal de Monterrey, Bienal de Yucatán, la Muestra Nacional de Arte de Puerto Rico, entre otros. Ha realizado 19 exposiciones individuales y/o proyectos, y participado en más de 130 colectivas en Europa, Asia, América y África. Cuenta con obra pública en la Avenida Paseo de la Reforma, ciudad de México, Universidad Autónoma Metropolitana (Atzcapotzalco), ciudad de México, en el Centro Cultural para la Conservación de la Mariposa Monarca, Cerro Chincua, Michoacán, y en el Municipio Autónomo de Caguas, Puerto Rico, entre otras. Su obra se encuentra en importantes colecciones privadas, museos, e instituciones culturales.

María José de la Macorra, ciudad de México, 1964. Estudió la Licenciatura en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, UNAM, México. Ha expuesto de manera individual en México, Estados Unidos, Canadá, Japón, China, Nueva Zelandia y Australia. Es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte del 2008 a la fecha  y tutora de la disciplina de Escultura para el programa Jóvenes Creadores 2009-2011. Dentro de las exposiciones más recientes en las que ha participado destacan: Panorámica. Paisajes 2013-1969, en el Museo  del Palacio de Bellas Artes, 2013; Destello, Colección/Fundación Jumex, 2011; Dos perlas, Galería Nina Menocal, 2010; y  Hecho en casa: una aproximación a  las prácticas objetuales, Museo de Arte Moderno, 2009. A lo largo de su trayectoria ha sido merecedora de diversos reconocimientos como Premio de Adquisición en Escultura, Tercera Bienal de Monterrey, 1997; Beca de Jóvenes Creadores del Fonca, 1997; Programa de Residencias Artísticas México-Canadá, Banff Centre for the Arts-FONCA, 2000 y 2007; Residencia Artística en el Daum Museum of Contemporary Art, Sedalia, Missouri, E.U.A., 2002; Apoyo de la Fundación BBV-Bancomer, 2003 y 2008; y Beca de la Fundación Pollock- Krasner, 2006-2007. Entre sus proyectos destacan: Tránsitos,  Museo de Monterrey, 1998; De las geografías al  norte interior, Galería de Arte Mexicano, 2001; De nubes y lluvia/ torres de agua, Galería de Arte Mexicano, 2005; Cambio de estado: proyecto para plazas públicas, 1999-2003, Centro Histórico, México, D.F.; Pasaje- sitio-contacto, 1998, Quebec, Canadá;  Dynamis, 2001, y Las 20 perlas, del 2006 a la fecha.